Realismo moderno en San Francisco

Jeremy Mann

El pintor actual frente a la fotografía

"Tejados en la nieve". Óleo sobre DM. 46 x 61 cms. 2014

“Tejados en la nieve”. Óleo sobre DM. 46 x 61 cms. 2014

Jeremy Mann es uno de los pintores más famosos de San Francisco, Sus obras se venden como rosquillas y alcanzan con facilidad los 30.000 $. Y es evidente que su pintura se basa en la fotografía, a pesar de la riqueza de esas texturas tan personales que consigue. Este es un debate que continúa muy vivo entre los pintores actuales y a él no es ajeno El Dibujante. Es raro que un pintor realista de primer nivel lo reconozca y lo defienda, justificando su parecer con palabras y pensamientos que solo son propios de un autentico artista. Esta interesante entrevista, publicada en la revista Tripwire , la hemos traducido para vosotros

¿Qué fue lo que desencadenó tu interés por las bellas artes cuando eras niño?

 No tengo ni idea de donde comenzó todo. Probablemente en algún lugar entre hacerme heridas en el cráneo y querer dibujar mejor que mi hermana.

 Tu trabajo se siente nostálgico y atemporal pero contemporáneo. ¿Sientes que esto es un comentario justo?

 Es bastante justo, sí! Viviendo en un mundo contemporáneo, uno está siempre influenciado por el entorno que llama a tu puerta. Sin embargo, siendo un alma vieja, un amante de las maneras románticamente anticuadas, de las viejas calles europeas y de los días lentos vagando al aire libre,  mi trabajo se siente en el corazón como un recuerdo de las cámaras vintage que llevo conmigo.

 

También se siente muy americano tu trabajo, yo puedo ver la influencia de ilustradores como NC Wyeth y, en menor medida, Norman Rockwell. ¿Te ves a ti mismo como un artista de la tradición americana?

Supongo que sería mejor dejar eso a los estudiosos que saben cómo clasificarlo. Los que me inspiran son muy diferentes e innumerables, algunos de ellos son ilustradores de los años 20 del siglo XX como Mc Ginnis, Cornwell y demás. Encuentro una valiosa inspiración incluso en los detalles minuciosos de una pincelada o en los patrones de los personajes y es difícil percibir el equilibrio y la gracia de una composición general como en el trabajo de Mucha. Lo que suelo hacer es tomar prestadas estas pequeñas cosas que amo, aprender de ellas y volver a inventarlas a mi manera .

Pintas paisajes urbanos y también pintas retratos, y hasta bodegones,  temas muy diferentes. ¿Es la variedad la que te atrae como artista?

No tanto la variedad por la variedad, sino más para mantenerme cuerdo. Mi mente tiende a flotar de un reino creativo a otro mientras que los mantiene juntos. El disfrute de mi fotografía está unido a mis jugueteos con cámaras antiguas, arreglándolas e incluso haciendo las mías propias, que es parte de mi disfrute matemático y material, reconstruyendo o construyendo cosas nuevas. La relajación y la paz que encuentro en la pintura al aire libre acompaña mi necesidad de estar fuera en largas aventuras, como acampar o quedarme en pequeños pueblos italianos. Así que en la creación de mi arte, se trata de poder unir los fundamentos con mi propio estilo a través de todo tipo de pinturas, no importa cuál sea el tema. Lo que aprendo en los agresivos y exhaustivos enfrentamientos a los paisajes urbanos, es que llevo conmigo emocionalmente la figura que trabajo, y la composición, el silencio y la belleza las encuentro al mismo tiempo pintando a la mujer a la que permito influir en partes de los paisajes urbanos. La forma de pintar un coche en la oscuridad tiene mucho que ver con la forma de pintar la forma de un cuerpo femenino. Los métodos con los que creas tus ideas deben provenir de la misma voz, que habla muchos idiomas.

También hay algunos paisajes en tu reciente libro de arte. ¿Qué es más importante para un artista, descubrir lo que él o ella retrata, o pintar un tema con el que ya está familiarizado?

 Hay artistas que tratan de hacer grandes declaraciones, artistas que crean pinturas que evocan sensaciones extrañas o maravillosos, y artistas que duplican lo que ven. Pero la mano subyacente del artista puede expresar muchas cosas si el alma del artista es fuerte. El reto de intentar algo desconocido trae a la luz los obstáculos y habilidades de los que un artista no se daba cuenta conscientemente al recrear monótonamente lo mismo. Tal vez un artista disfruta de la atmósfera y la profundidad que se encuentra en la pintura de paisaje, pero odia el color y la forma aparentemente compleja de los árboles. Tal vez encuentra la emoción en la fiebre de los coches entre las masas de la gente en las calles de la ciudad, pero piensa que hay demasiadas malditas ventanas para hacer una buena pintura. Todo el mundo dice que los caracolest o los cerebros de pescado son una delicadeza, pero apenas puedo con ellos. ¿Cómo sabes que una pared es dura a menos que la golpees, que hay un cráneo dentro de una cabeza a menos que lo hayas visto, que las flores necesitan muchos cuidados para crecer, o que la gente pueda ser en su mayoría una molestia, si hay tantas hermosos almas escondidas entre ellos? Sí. Prueba todo. Confía en lo que canta tu propia alma, no en las canciones populares de los demás. Pero sé plenamente consciente de tu propósito como artista.

¿Cuánto tiempo te lleva crear una de tus pinturas?

Sorprendentemente una pequeña cantidad de tiempo. Recientemente he hecho algunas demostraciones (algo raro para mí, no lo esperes) de mis paisajes urbanos monótonos de cuatro pies cuadrados pintados con rodillos de tinta y otras herramientas de grabado en su mayoría. Me pareció posible terminar uno a un punto ligeramente satisfactorio en los 50 minutos que me dieron. Este es el resultado de la creación de estos paisajes urbanos en este estilo, con estas herramientas únicas, más de 160 veces en los últimos años. El primero me llevó 12 horas seguidas y no se pudo dejar secar durante todo el proceso hasta que terminó. Fue una empresa horrenda. Pero el objetivo para mí era poder encontrar las nuevas herramientas que estaba tratando de usar, para crear las marcas y señales con las que yo disfrutaba, y sacar la emoción y el sentimiento de estos paisajes urbanos basados ​​únicamente en los principales fundamentos abstractos del arte. La mejor manera de hacer todo eso a la vez es pintar lo mismo tantas veces como sea posible. Al final de ese ejercicio, el crecimiento obtenido por un artista será exponencial. Últimamente, he estado buscando nuevas experiencias añadiendo más capas a mi proceso de trabajo, nuevos y más grandes instrumentos no tradicionales con los que llevar a cabo esta sinfonía de pintura, repitiendo, fallando, experimentando y aprendiendo de todo. Con esas cosas que me conducen adelante, me conozco bastante bien para saber que acabaré aburrido de una pintura si tarda más de 3 o 4 días, y si pierdo el amor a la idea inicial, que me entristezco. Así que en un intento de aliviar esa lucha interna por mí mismo, he encontrado formas de pintar lo más preciso, decidido y rápido que puedo.

¿Cuánta referencia fotográfica utilizas en tus retratos? ¿Debemos suponer que los modelos se sientan para posar delante de ti?

Cuando trabajo en el estudio, funciono a partir de imágenes en un monitor. Cuando aprendo, aprendo del natural, con la pintura al aire libre los bosquejos y la pintura los hago vivos del modelo. Lo que aprendo de la vida lo integro cuando trabajo desde el viejo punto de referencia de una fotografía. La mayoría de las fotos que uso vienen de cámaras de película antigua que revelo en mi sótano. La belleza en los defectos que impregnan esas imágenes hacen que no se necesite un doctorado para ser consideradas obras de arte mismas, y por lo tanto constituyen algunos de los mejores materiales de referencia al pintar la figura. 

Odio lo digital. Por el efecto que tiene sobre nuestras vidas sociales, por la frustrante incapacidad de instalar un programa que funcione con fluidez con otros programas, por la cantidad de detalle sobrenatural y antinatural en una fotografía digital. Por supuesto, sí que aprecio la rapidez de una cámara digital, pero los resultados siempre son deprimentes y poco realistas. He empezado a hacer mis propias lentes (de mierda) para compensar esa dependencia. Pero sobre todo, si utilizo una foto digital como referencia, se manipula y manipula hasta el punto en que se asemeja a las películas de todos modos, un paso más cerca de la memoria de un momento realista que es lo que deseo al pintar. Cuanto mejor sea la referencia, mejor será la pintura. 

Creo que el natural es la mejor referencia la mayor parte de las veces, especialmente para aprender a pintar, pero cuando quiero sacar momentos de la memoria, pensamientos vagos o emociones melancólicas, estas son las cosas que mejor quedan capturadas con fotografías. Dibujar y pintar del natural implica una cantidad extenuante de atención y de conocimiento, e intentar capturar un detalle de memoria de una sesión de dibujo natural es más bien un nuevo ingrediente para agregar al guisado de la confusión. Así que prefiero mi mundo de la fotografía, y centrarme en la iluminación, la composición el equilibrio, los trajes, los momentos, para pintar de memoria necesitas tener un rodaje con un modelo para que los aspectos más viscerales de la vida se asienten al primer golpe al pintar. 

En cuanto a mis referencias de paisajes urbanos, mi infierno son las mil instantáneas buscando buenas composiciones para aliviarme del tema y enfocarme en el acto de hacer una pintura. Luego apenas incluso ni miro mi referencia del paisaje urbano en el monitor a medio camino con el proceso de la pintura. Antes de empezar, incluso doblo las calles, metiendo los coches y la gente, cortando edificios a la mitad, en una búsqueda desesperada de algo de belleza en ese mundo de paredes y ventanas. El equilibrio y la armonía existen en la naturaleza, pero es una vergüenza lo que la gente hizo cubriendo todo de hormigón.

Parece que los retratos tradicionales han tenido cierto renacimiento recientemente con un número de competiciones en la TV en el Reino Unido. ¿Por qué crees que cayó en desgracia y por qué crees que está volviendo a la moda?

¿En serio? Hay competiciones de pintura de retratos en el Reino Unido? Eso es bueno! Pero no es lo suyo. Al igual que la mayoría de las grandes cosas que vale la pena retener en las culturas, tienen resurgimientos, breves tiempos de nueva popularidad, o necesitan respirar de nuevo en algún lugar antes de que desaparecer otra vez y ser reemplazados por formas rápidas, baratas y fáciles. Los filtros fotográficos en los teléfonos son sólo vanos intentos para reproducir el efecto del arte que se está muriendo lentamente de las polaroides y las películas. Estas venas de asombro y belleza subyacen en la cultura del hombre y fluyen debajo de nosotros. Simplemente se enmascaran con nuevos inventos populares. La gente dice que algún día un programa de computadora será capaz de crear una pintura tan exactamente y bien ejecutado como un artista maestro. Y la gente “ooohh!!” y “ahhhh!!”. Pero todos sabemos que sin el alma del artista detrás de la creación, la imagen sigue siendo sólo pigmentos y mediums. Así que cuando estas cosas se ponen de moda, es sólo un testimonio de su importancia. ¡Apaga el televisor, joder, y ve a buscar un maldito museo!

El mundo ha cambiado mucho desde la edad de oro de los pintores de retratos. ¿Por qué crees que la pintura todavía puede decir algo sobre el mundo en el siglo XXI?

El Arte, cualquiera que sea la intención con la que se ha cincelado ese término, siempre persistirá mientras vivamos. Es parte de nuestra naturaleza como seres humanos, entender la vida que fuimos arrojados a vivir. Necesitamos expresar nuestra confusión, maravilla, ira, depresión y alegría en este miasma de alguna manera, y cualquier cosa que la gente consiga definir como simplemente “arte” es el resultado. Siempre habrá algo que decir, y pase lo que pase, siempre habrá artistas que salen de las grietas para decirlo. En estos días, pienso, es más difícil oír poesía en medio de tanto grito infundado.

E insistiendo en el tema, ¿qué crees que la pintura puede hacer que no pueda la fotografía como forma de arte?

La pintura tiene la cuantificación existencial única. Esa es la única manera de decirlo, creo. Es un término matemático que básicamente significa que hay uno y sólo uno. No me malinterpreten,  yo nunca pondría una forma de arte sobre otra. Me encanta la fotografía y todas sus cualidades, hay cosas que se pueden hacer con la ciencia de la fotografía que no se puede hacer en las pinturas, pero las ideas de sus creaciones son las mismas. Me siento tan frustrado cuando veo las increíbles piezas de arte creadas por mis amigos que trabajan digitalmente, cuando el trabajo sólo existe en algún ámbito digital intangible y vive tan frágil en ese espacio. Un clic y se ha ido para siempre, otro clic y hay miles de ellas en todo el mundo. Sin embargo, estas formas de arte también tienen sus propias fortalezas, creando fantasías vivas en el tiempo y el espacio, y en ellas sólo hay una de las propiedades únicas de ese medio. Algunas cosas sólo pueden ser evocadas por la música, y ciertos sentimientos de una persona sólo pueden expresarse con la poesía. Pero cuando se trata de pintura, se trata de pararse frente a una obra de arte, creada en un momento determinado por un artista, que se paraba exactamente donde se encuentra ahora, con el conocimiento de que en ningún otro lugar del mundo esto existe. Pero aquí mismo delante de ustedes, es una cosa poderosa de contemplar. Esa es la fuerza de una pintura. Es por eso que necesitan ser vistos en persona, y es por eso que te removerán por dentro.

Tu trabajo parece influido por artistas como Whistler y Singer Sargent, especialmente los retratos. ¿Cuánta influencia tienen estos dos artistas en tu trabajo y en ti mismo como artista?

Cuando estaba aprendiendo a pintar, y aún hoy en día, porque todavía estoy aprendiendo, eran enormes influencias en mi proceso. Ciertas cosas de ellos tocaban acordes en mi tono dentro de mí y me llevaron a lo largo mientras yo vacilaba y desvariaba a través de mis propias pinturas. Me emocionaron mucho no sólo por sus pinturas sino también por sus vidas. Whistler era un personaje flagrante lleno de ingenio y fuerza salvajes, mientras que la mayor parte del establishment creía que sus obras eran débiles, carentes de valor y carentes de información. Sargent llegó a despreciar sus habilidades bien ganadas en la pintura del retrato debido a la gente que las demandó de él, y anheló vagar por el bosque, por la montaña y por el campo con unos pocos amigos selectos y pintar sobre ‘su’ vida. Ser influenciado por un artista es mucho más que simplemente disfrutar de las dimensiones de su arte. Estos días sus libros pueden descansar, ligeramente polvorientos, en mis estanterías porque que he vagado por otros lugares tratando de encontrar nuevas influencias e ideas. Sin embargo, sus pinturas siempre golpean mi estúpida cara en los museos, y me dejan hipnotizado durante largos momentos. Lo que me han enseñado siempre se quedará en alguna parte dentro de mi arte. Las raíces de los árboles altos se han quedado para convertirse en el suelo de los arbustos nuevos.

¿Cuáles dirías que son tus mayores influencias como artista y que ha cambiado a lo largo de los años?

La curiosidad y el conocimiento. Y sí, la naturaleza de esas influencias son las que están cambiando constantemente, una cosa muy buena para el crecimiento creativo, así como para el alma.

 

Pareces fascinado por los paisajes urbanos americanos. ¿Qué hay en lugares como Chicago y San Francisco que te fascinan como artista?

Los odio lo suficiente como para tratar de entenderlos. Puedo tener claustrofobia rodeado de demasiadas personas, un síndrome natural para muchos artistas de estudio, y las ciudades son el epicentro de “demasiadas personas”. En qué punto la gente decidió dejar de hacer hermosos edificios y erigir tumbas rectangulares de borde duro, me confunde. Así, en un esfuerzo por confrontar a mis demonios, en la seguridad de mi propio estudio, pinto paisajes urbanos, pretendiendo explicar al público que son estudios de fundamentos artísticos como la perspectiva, el equilibrio, las formas y los valores.

¿Hay planes para que vengas a representar ciudades europeas?

No, las amo demasiado.

San Francisco es tu ciudad natal  ¿Qué hay en este lugar que encuentres inspirador como artista?

Variedad. La naturaleza obvia de su paisaje multifacético todo lleno y pletórico de hermosos frikis y de las cosas que hacen con sus vidas aquí. San Francisco ha sido conocido durante mucho tiempo por ser un lugar de refugio para todo lo peculiar, y es probablemente porque San Francisco en sí es extraño y diferente de cualquier otro lugar. Al igual que Nueva York o Venecia, la única diferencia es que usted sabe lo que la gente quiere decir cuando dicen que alguien es “un neoyorquino”, pero cuando alguien dice que una persona es de San Francisco, ¿qué significa eso ? ¡Joder cualquier cosa! Y eso es lo que me encanta, su imán de variedad que atrae la belleza de esas almas extrañas, y también la proximidad de la ciudad y la naturaleza, es pura perfección.

Todavía eres un artista muy joven y ya has construido un increíble cuerpo de trabajo. ¿Sigues esforzándose por mejorar y mejorar tu trabajo a medida que avanza tu carrera?

Me siento como en una edad de mierda. Pero creo que es sobre todo por agotamiento. A pesar de que el panorama general no muestra mucho cambio en mi trabajo para muchos, yo veo límites y pasos de cada pintura a la siguiente. El resultado es, sí, un constante esfuerzo por mejorar. Es una cosa terrible de decir, pero desde el momento en que empiezo una pintura hasta el final de su creación, todo mi ser la ama con todas sus luchas y éxitos. Pero una vez que empiezo el siguiente, creo que el anterior es básicamente basura. Me refiero a esto en su propósito para mí como artista, no me atrevería a decir que son inútiles. Pero para progresar en esto, mi búsqueda de toda la vida por mí mismo, no puedo ponerlos en pedestales, tienes que matar gatitos a veces para entender por qué puedes amar tanto.

Trabajas con óleo, que es un medio muy implacable para un buen artista.¿Te gusta el reto de trabajar con esta técnica?

 Bueno señor, no. Si hubiera una grabación de las palabras gritadas en mi estudio durante un tiempo en el transcurso de cualquier mes, se reproduciría como la broma loca de un adicto al crack con Síndrome de Tourette. Pero, como cualquier cosa en la vida, el óleo puede ser descubierto con perseverancia, comprensión, y un poco de errores valientemente resueltos, en él cualquier cosa puede caber siempre y cuando la profundidad de su propósito sea primordial. Pero ¡mierda!, unos cuantos hombres descubrieron cómo hacer la primera bomba atómica del mundo en papel, sin ninguna prueba, y yo ni puedo imaginar cómo hacer que mi pintura sea demasiado resbaladiza! Crece, Jeremy.

 

¿Eres muy crítico con tu propio trabajo?

Es lo que más critico en mi vida, porque soy yo. Tu debes ser la única cosa detrás de la que poder estar honestamente y así poder defender eso a muerte.

Entrevista: Joel Meadows. Traducción: Juan Muro

Galería de retratos femeninos

Galería de Paisajes 

Algunas imágenes del pintor

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